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如何寫歌

減小字體減小字體 減小字體增大字體 作者:佚名  来源:本站整理  发布时间:2012-05-20 18:25:56

      相信很多音乐爱好者都想自己写一写歌,但苦于自己对乐理知识知之甚少,只能望而兴叹。在这里与大家分享一下我写流行歌曲的心得。

一、和弦的進行

        我觉得写一些流行口水歌是不需要什么专业训练的,主要是关于和弦运用和进行,其实这是最重要的。这东西出来了旋律就出来了,再说咱们在这里先不谈太多编曲的事(但毕竟会有一点点,因为有的时候写旋律和编配是关联到一起的)。

其中舉到一些例子,爲方便說明問題和比較,全都用C大調或者A小調。
其實我也是聽多了以後把人家的進行記下來,多練,就會了。那麽現在就拿一些例子來說說事。
現在我列出幾個非常非常常用的和弦進行,尤其是大陸港台日韓這邊的歌差不多都用這些。
1。C-Am-F-G。我並不是說整首曲子中都只有這個進行,不過如果你就想寫一首流行朋克的曲子那這個足夠了。當然這不是死的,有可能你在編的時候會變成C-Am7-Dm7-G7。但這可以是一個基本骨架。後面說到的東西也是同理。姑且認爲這個進行的BASS是i-6-4-5吧。其實從前這個進行通常是i-6-2-5,因爲6級和弦正好是2級的屬和弦,2級和弦又正好是5級的屬,然後再回來,因爲5級是1級的屬和弦。
举例:安立奎Enrique Iglesias的Hero大家肯定都听过吧(没听过就下一首听去哪都有)。这歌就两段。我记得好象是G调的,如上面说过的,为了好说明问题就改成C调来说了。第一部分的进行就是C-Am-F-G的重复,对不?
2。Am-F-C-G。假如你喜欢艾薇儿,那么你用这个进行写几个复歌,你会立即把她的盘扔进垃圾筒(我不会,我有张原盘以后还卖呢,哈哈),因为她几乎在每首歌里都用到这个进行,那个Michelle Branch的All You Wanted也是如此。但是不管怎么说,这个进行的确是很常用的。Evanescence的Going Under的复歌也是这个进行。
還有!有的時候也有很多用Am-F-G-C的,跟Am-F-C-G差不多流行。比如
F.I.R的Lydia吉他譜(夠口水吧不過這歌我覺得的確不錯,絕對不在糟泔之列)。第三部分高潮那裏就用到了這個進行。
3。F-G-C。這個進行在複歌中非常常用。一首C大調的曲子,比如說一開始第一部分是C,當曲子發展到高潮部分的時候以4級和弦開始。這例子可就太多啦。比如像優客李林的
認錯
。複歌部分是F-G-C-C7-F-G-C-...
也有很多地方用Dm-G-C-...的,那就不光是寫高潮部分的了,在過渡段裏也更經常的能用到。
4。BASS音階!這是個重要的規律啊。最常用的是i-7-6-5,那麽可以是C-G-F-G,C-Em-F-G,C-Em-Dm-G等等等等...有時候也可以i-b7-6-5,那麽和弦可以是C-C7-F-G,C-bB-F-G等,如果音階是i-7-b7-6-...那可以是C-G-bB-F,C-CM7-C7-F等等...另外一個音階也是非常常用,可以給你增色許多的:6-#5-5-#4-4,那麽可以用Am-C#-C-D-F(D也可以換成#Fdim)有時候不完全是半音階,6-5-#4,這是最常見的,通常都用Am-Am7-Fm7b5(也就是Am6的轉位),這個進行可以給歌曲的進行一個起伏的感覺,通常用在一段快結尾的地方,不信試試看。
还有太多太多种,大家自己自由创造组合。有一些不是最常用的,但有的很好听的歌的确用到。有一首美国乡村歌曲,刚出不久的Lonestar的Let's Be Us Again,如果改在C调的话复歌的和弦进行是G-Dm7-Am-F-G...
       这些东西,也许有的人说我全都知道,那么你的确用在你自己的歌曲里了吗?很多时候从记住理论到学会应用是很不容易的一个过程,我写的这点东西不算什么理论,只能算是我的一些经验,或者说,我是这样来理解理论来应用到我的歌里的。

二、轉調

         在流行歌曲中有的时候转调并不是某段结束时转为另一调再进行同样的旋律,更经常出现的是,出现一个其他调的和弦,再经过一个或几个和弦转回原调还是以C调为基准。经常,在一首C调的歌曲里面也会有bB,bE,bA出现.比如Bon Jovi的All About Lovin'You(没听过的建议去下一首,很耐听,如果跟着MV看会感觉更煽情的),以C调来写,前奏就是C-G-bB-F,起始段里也是这样.它的BASS音阶是i-7-b7-6,F也正好是bB的属和弦.这些说法都可以说得通.而我觉得bB和弦可以被大为利用的地方有两个:
      1:是在过渡段中.比如你把一遍又一遍的复歌接在一起也只有2分多钟,那可以在其中一遍之后来个过渡段,过度段结束后可以继续再来几遍复歌,或者升调奏复歌(这是极常用的手法,相信大家已经习以为常).而在过度段中bB也一般作为段开始的地一个和弦,会给人一个鲜明的感觉.比如那英的征服.
       2:比如说愕歌曲中某一段是由两段相似的旋律构成的.那么你可以改一下第二段的旋律,让它经过这个和弦,比如刚才说的Bon Jovi那首就是,复歌部分的进行是这样的:
C-Em-F-Fm
C-Em-Am-bB-D
有的時候,bE和bA也用來作爲過渡段的開始.但經常bE都是用在F之前,bA是用來接bB再接C.當然這只是一般大陸港台流行歌曲的用法...
轉調的時候,常用的手法是從屬七和弦轉.比如.現在在C大調,要轉到F大調,那麽可以用C-C7-F,這只是個例子.如果C7前的和弦不適合直接轉C7,可以多轉折幾下.比如.我在轉到bE大調,當前和弦是C,可以用C-B7-bB7-bE.
其實咱們最經常聽到的和弦進行,先前都是西方的情歌,BALLAD裏面用到的,很多手法都是從不同種類的風格中的音樂中引用過來的.我們平常聽到的流行歌曲非常通俗化,也許廣告上說這首歌是拉丁風格,BOSSANOVA風格,等等,其實可能只是用了人家的一種節奏,用了人家常用的一種音階或常用的一種民族樂器.真正聽到了比較正的那種風格的音樂,也許還會讓聽慣了商業味濃重的歌曲的你感覺不習慣,不好聽.所以我這裏只說一些我這些年來聽口水歌總結出來的東西,只要能用語言寫下來的,能用典型例子總結出來的我都寫.我相信會對大家有用.這不是一條正道,但絕對會是捷徑。

三、跟著和弦寫旋律

        我说的写旋律指的是你在一架钢琴或一把吉他上彈出和弦伴奏的時候即興唱出或想出旋律這個過程中我積累的一點經驗,我並不知道寫旋律的什麽公式(如果有公式就牛B大發了...)
是不是經常你會覺得自己寫的歌曲給人感覺太業余,太生硬,太單調?是不是經常覺得靈感很匮乏?
我覺得有一個根本的,直接的原因,是這樣的:很多寫手在寫歌的時候,他用自己的樂器奏起一個和弦C,那麽他的腦袋裏想出的旋律裏面90%都是1,3,5,彈一個和弦G那麽他滿腦子都是5,7,2,其他的音都當成經過音了.有的時候可以寫出點東西來感覺還不錯,就是有土了點,聽起來就像BEYOND風行天下時的那種感覺...
那種東西拿到2004年來是當然不行的...在這裏可能得罪BEYOND的歌迷了,但是你們要承認,他們的歌迷主要是從他們那個年代過來的人,他們早已不是主流了.
那麽現在,用你的樂器彈出一個和弦C來.不管是在吉他上掃弦還是分解等等...什麽都好,在4/4拍的一個小節中,請你隨興哼出一段旋律來,注意,不要只把注意力放在1,3,5音上,把2,6,7音當成同樣重要的音符來做.
咱們把2音說作9音吧,這樣更正確一些.如果這些音在這一小節的C和弦進行中起到了作用----我說的"起到作用"是說它們並不是作爲經過音在旋律中出現,那麽你會感覺到一些不同的色彩.9音,6音,7音都可以給你不同的色彩.但是注意.4音(11音)不要輕易用,從音律上講它是不和諧的,當然這並不是一個死教條,也有的時候會出現11或#11音比較突出但並不讓你覺得這個旋律的色彩很刺激,反而又會展現給你一種新的色彩.
現在要說到這篇和前兩篇挂上鈎的地方了.因爲我們是跟著和弦來寫旋律(當然我也會經常腦中浮現旋律,記下來以後再給它配合適的和弦,這種情況這帖裏不作討論),那麽也要討論一下關于和弦的問題.
當然,現在說的就不是和弦的連接進行了.現在這樣,你彈一個Dm和弦,是2,4,6三個音.但如果加一個1音呢(對于D和弦來說應該是b7音),成了2,4,6,1,它成了一個Dm7和弦,它的色彩就不像Dm那麽地暗淡,卻又不像D7那麽刺激,讓你覺得有一點點暗卻又非常柔和.如果不加1音,加一個7音呢(對D和弦來說是6音),成了2,4,6,7,成了Dm6,給人的感覺要比Dm還暗,又比Dm要刺激,這又是一種色彩.
舉了這兩個例子我覺得大家可以舉一反三了吧.想想,如果你滿篇的都是大,小,7和弦,那你的旋律色彩必然非常單調,讓人覺得"嫩"也是在所難免的.當然如果這些基本和弦你一個也不用的話,也會讓人感到修飾得太多,不容易接受(對于流行歌曲來說).
再扯回到旋律上來.想想.彈2,4,6,1是一個Dm7的色彩.那麽如果彈2,4,6而在旋律中寫進1呢,會不會得到同樣的色彩?答案是肯定的.當然,2,4,6,1這幾個音,每一個的突出程度也會對這一段音樂的色彩起一些微妙的變化.如果你強調1,色彩就更偏向Dm7,如果1音不太突出,那麽色彩就偏向Dm.我的意思是說,我們加入一些和弦外音,其實在某種意義上和彈奏一個不同的和弦是很接近的。

四、補充和答疑

1.正視音樂理論。
        乐理最大的作用在于能让作者提高工作效率,我是这么认为的。做音乐的挣钱不是背的那么多知识挣,是作品挣,说白了就是学了不会用也是白搭。但乐理不一定要先“正规学”才可能灵活运用,你可以什么书都没念过也没找过老师,光凭自己摸索实践出真知这的确很好用,只不过这样摸索总会走弯路,而且有可能好不容易摸到的规律其实书上一句话就概括了而且还特简单。我看好多人的意思是正规学习为上,请问什么算正规学习啊,你告诉我在中国哪能正规学习爵士钢琴好不好?音乐学院的老师教授们都是神,都别讲课了去让你们供着得了。还有人说什么写曲子得学过什么调式,和声……请问这种东西学到什么时候是个头?学到什么程度就可以出山了?乐理它本身就在发展,根本学不完。你说阍谥幸粼夯ü改暄Ч诺淅值调式和声等等一箩筐东西,结果出来找活的时候人家让你写一首纯60's Rock&Roll风格的不也照样瞎么。乐理其实是一种辅助工具,就好象理科的公式一样有了公式你做题就方便多了,同理也可以说憧梢允裁垂蕉疾换幔绻愕脑袋瓜子超强,那也行,较真的话这种大音乐家也是可能存在的,而且他的大脑运算速度得比N台奔4还快——下一个和声不知道怎么配?穷举法啊。听说玩电脑最强的人用的键盘上就三个键:0,1,回车,就是这个道理。当然,音乐理论跟公式又不完全一样,因为公式一般都是绝对成立的,不成立的时候有不成立的条件,反正都说死了,但是乐理里的公式在哪都不绝对,根据作者要表达的思想的不同而起变化。这么多年来发展到现在的乐理都只是前人们总结的一些经验,并且在不断发展,进步和完善,迷信乐理就像迷信XX功一样可笑。书上写的不一定百分百正确,自学又容易走弯路,所以很多有老师带的人进步就通常比较快一些,书上把重点给你标了,没用的给你划了,看着学就快了吧。不过话说回来,相对于绝大多数脑瓜没有N台P4算得快的我们来说,乐理它可就是非常地重要了。
除了乐理之外,还有太多需要积累的东西是很难用文字描述的,哪条理论里也没说“在编一首XX风格的曲子时,应该在X的地方加入X乐器,X的地方转调……”。我不知道是不是因为这样,所以看到不少人叫嚣着灵感这东西是很重要的。我个人认为这是很可耻的一种思想。灵感这东西可以说是像一个点子,主意一类的东西,光有个Great Idea可是你连一个八度里有几个音都不知道,行吗?那么多以写歌为生的,人家没灵感就吃不上饭了?你听说母鲂锤璧到期交不出作品还倍儿有理说自己找不着灵感?灵感要真那么重要,那音乐学院的学生们真应该都马上辍学去爱干吗干吗,找灵感,再把学校的教材当擦屁股纸使,反正没灵感写出来的东西也不是好作品,干脆不写了。的确是有些人比如潭盾,人家真就是会到少数民族生活的地区去住一住采采风,可是你看人家是为了写什么东西?没有具体的感受他光凭自己肚子里的水写不出来他想达到的标准。他要找的是具体的感受,不是随机得来的闪现的灵感。现在就光是写两首流行歌就嚷嚷要灵感要灵感,请问你要写的这点东西需要多么复杂的感受?你要表现多么复杂的东西?职业乐手在上台即兴演奏前就都保证自己灵感十足吗?在没有灵感的时候通过演奏的方式来激发自己的灵感,用的全都是自己一点一点积累起来的知识。没有主动灵感你自己如果都不会激发被动灵感,也就是说阕约旱理论和经验的积累不够,还非说因为自己没灵感是很正当的,那你真是不折不扣的大垃圾!灵感它存在,它是个好东西,但它不是任何形式的音乐知识,不能通过学习得到或发展,所以说顾虑这个问题根本无用,反倒是弱者喜欢用灵感作为搪塞的理由,有时间去找灵感不如塌下心来写写改改自己的作品。对于踏踏实实学音乐的人来说灵感这是一个无聊的话题。

2.正視音樂本身。
         如果要学习,多听这一点非常重要,在把人家的作品拿来学习的过程中,一般要注意的都是人家风格的节奏调式,乐器搭配,和声等等(毕竟系统地分析的话音乐是这么构成的,也只能分析这些分析得出来的东西),然后在分析的过程中有所长进。通常认为,把曲子的中心思想表现得越好或者越能体现风格,作品就越是出色的。这些佳作里,很多作者都运用了比较高明的音乐技术和处理方法,这是要学习的重点,也有一些经典曲目分析起来很简单,但就是非常好地突出了主题或风格,这便是灵感的作用,但它可遇而不可求,而在难度的问题上甚至有时某种风格本身都限制了和声调式之类的复杂程度。

上傳者:佚名

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